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viernes, 25 de septiembre de 2020

Pablo Neruda: versos como relámpagos


Pablo Neruda, fue uno de los poetas más fecundos que ha dado la literatura latinoamericana y mundial. 

La historia lo recuerda como uno de los grandes poetas del amor, título que empezó a ganarse ya desde muy joven, cuando publicó una obra que se ha convertido en inmortal: "Veinte poemas de amor y una canción desesperada". 

Julio Cortázar, otro genio de la lírica escrita en castellano, lo definió así: "Neruda nos devolvía a lo nuestro, nos arrancaba de la vaga teoría de las amadas y las musas europeas para echarnos en los brazos a una mujer inmediata y tangible, para enseñarnos que un amor de poeta latinoamericano podía darse y escribirse hic et nunc (aquí y ahora), con las simples palabras del día, con los olores de nuestras calles, con la simplicidad del que descubre la belleza sin el asentimiento de los grandes heliotropos y la divina proporción". Y el crítico literario Harold Bloom expresó: "ningún poeta del hemisferio occidental de nuestro siglo admite comparación con él", ​ quien lo considera uno de los veintiséis autores centrales de la literatura occidental de todos los tiempos.

Dueño de una inquebrantable personalidad, resuelto y tenaz hasta las últimas consecuencias, defendía con firmeza todo aquello en lo que creía y en lo que le parecía justo a su entender, así lo describían sus amigos y su propia viuda, Matilde Urrutia, su tercera esposa, 
que sería su compañera de viaje hasta el final de sus días.

Nacido en Parral (Chile) el 12 de julio de 1904, con el nombre de Ricardo Eliecer Neftalí Reyes Basoalto, hijo de una obrero ferroviario, y de una maestra de escuela, Pablo fue criado por sus abuelos tras la repentina muerte de su madre a sus dos meses de edad, y por Trinidad Cambia Marverde, la segunda mujer de su padre. Según el propio Neruda, su “segunda madre era una mujer dulce, diligente, tenía sentido del humor campesino y una bondad activa e infatigable”. En 1906, la familia se trasladó a Temuco, cuyo entorno natural, con sus bosques, lagos, ríos y montañas marcaron para siempre el mundo poético de Neruda.

En 1917, a los 13 años, publicó su primer artículo, "Entusiasmo y perseverancia", en el diario La Mañana de Temuco. En esta ciudad, escribió gran parte de los trabajos, que pasaron a integrar su primer libro de poemas: "Crepusculario". 

En 1919 conoció a Gabriela Mistral, por entonces directora del Liceo de Niñas de Temuco, sobre la poeta recordaba: "ella me hizo leer los primeros grandes nombres de la literatura rusa que tanta influencia tuvieron sobre mí". ​ 

Hacia 1921, con diecisiete años de edad, comenzó a firmar definitivamente sus trabajos con el seudónimo de Pablo Neruda, esencialmente con el propósito de evitar el malestar del padre por tener un hijo poeta. El nombre elegido, Neruda, lo había encontrado por azar en una revista y era de origen checo; quizá desconocía que se lo estaba usurpando a un colega, un lejano escritor que compuso hermosas baladas y que posee un monumento erigido en el barrio de Mala Strana de Praga. 

Ese mismo año se radicó en Santiago y comenzó sus estudios de pedagogía en idioma francés en el Instituto Pedagógico de la Universidad de Chile, donde obtuvo el primer premio de los Juegos Florales de la Primavera con el poema "La canción de fiesta",​ publicado posteriormente en la revista Juventud. 

En 1923, publicó "Crepusculario", elogiado por escritores como Hernán Díaz Arrieta, Raúl Silva Castro y Pedro Prado, libro que pudo auto-editar vendiendo muebles, empeñando el reloj que le había regalado su padre y recibiendo un poco de ayuda en el último momento, por parte de un generoso crítico.

En 1924, salió a luz su famoso Veinte poemas de amor y una canción desesperada, con marcada influencia del modernismo. 

En 1926 publica tres breves libros de intención vanguardista "El habitante y su esperanza", "Anillos" (en colaboración con Tomás Lago) y "Tentativa del hombre infinito". 

A los 23 años, y con escasez de recursos económicos, Neruda partió rumbo a Rangún, en Birmania, por aquel entonces parte del Imperio británico para tomar posesión como cónsul electo de tercera clase, en 1927. 

La carrera de cónsul lo llevó a residir en varios países del Extremo Oriente como Birmania, Sri Lanka, Java y Singapur, y, entre los años 1934 y 1938, en España, donde se relacionó con Federico García Lorca, Rafael Alberti, Vicente Aleixandre, Gerardo Diego, Miguel Hernández y otros de los componentes de la llamada Generación del 27. Durante su estancia en Madrid fundó la revista Caballo Verde para la poesía, una publicación que tomó partido por una "poesía sin pureza". Cuando estalló la guerra civil española, Neruda apoyó al bando republicano y en 1937 escribió "España en el corazón". 

La guerra civil española obligó a miles de personas a exiliarse. Uno de los países que acogió más refugiados españoles fue Francia. El creciente auge del fascismo en el viejo continente obligó al poeta chileno a comprometerse en la ayuda a estas personas. Gracias a las presiones a las que Neruda sometió al gobierno de Chile, éste accedió a recibir a refugiados españoles. 

De este modo, el poeta cambió el destino de más de 2.000 personas, que sobrevivían en campos de refugiados franceses, al colaborar en la gestión de los visados de familias separadas por la guerra. Además consiguió la financiación necesaria para pagar a estas personas un pasaje en el buque Winnipeg, que zarpó del puerto fluvial de Pauillac el 4 de agosto de 1939. Tras una travesía de casi un mes, el barco llegó el 3 de septiembre a Chile, cuando en Europa hacía dos días que había estallado la Segunda Guerra Mundial. 

A su regreso a Chile, en 1939, Neruda ingresó en el Partido Comunista. A partir de entonces su obra experimentará un giro de carácter político. Esta etapa, que se había iniciado con "España en el corazón", culminaría con la publicación en 1950 de Canto General, un libro de poemas que Neruda consideró como un proyecto poético monumental y que aborda la historia de Latinoamérica.

Por entonces e impulsado por su profunda pasión por el mar construye su casa de Isla Negra en el paraje del mismo nombre frente al Océano Pacífico. "El mar me pareció mas limpio que la tierra por eso me vine a vivir frente a las costas de mi patria frente a las grandes espumas de Isla Negra" 

Conocerla es penetrar el alma del poeta, descubrir el niño que anidaba en él. "He edificado mi casa como un juguete y juego en ella la mañana a la noche. El niño que no juega no es niño, pero el hombre que no juega perdió para siempre al niño que vivía en él y que le hará mucha falta" 

Sus colección de caracolas, sus mascarones de proa, y un numero incontable de bellos objetos reunidos durante su vida y sus viajes, a los que el llamaba sus "juguetes", nutrían su imaginación y eran sin duda fuente de inspiración de muchos de sus poemas.

Te invitamos a ingresar en la intimidad de la que fue su morada favorita, y acompañarlo en su recorrida, escuchando en su propia voz el intimo relato descriptivo del mágico entorno que lo rodeaba  y en el que pasaba sus días escribiendo, recibiendo a sus amigos y disfrutando de la contemplación de su adorado mar.




En 1945, Pablo Neruda fue galardonado con el Premio Nacional de Literatura de Chile. Pero su situación se complicó cuando hizo pública su enérgica protesta por la persecución a los sindicatos promovida por presidente Gabriel González Videla Aprovechando su cargo de senador, Neruda hizo gala de su oratoria para denunciar dichos abusos, lo que provocó la persecución gubernamental y su posterior exilio en Argentina. 

Tras su paso por Argentina, Neruda marchó a México y más tarde viajó a la URSS, China y otros países de la Europa del Este. Durante su periplo, escribió una serie de poemas propagandísticos que le valieron el Premio Lenin de la Paz. De nuevo en Chile, la poesía de Pablo Neruda daría un vuelco hacia la simplicidad y adquirió una gran intensidad lírica y un tono general de serenidad. La obra central de esa época fue "Odas elementales", escrita entre 1954 y 1957. En 1956 se separó de su segunda esposa, Delia del Carril, para unirse a Matilde Urrutia.

El reconocimiento internacional le llegó en 1971, cuando recibe el Premio Nobel de Literatura. El año anterior, Neruda había renunciado a la candidatura a la presidencia de su país en favor de Salvador Allende, quien lo nombró poco después embajador en París. 

Dos años más tarde, aquejado de cáncer de próstata,
regresó a Chile y falleció en Santiago el 23 de septiembre de 1973, profundamente afectado por el reciente golpe de Estado perpetrado por el general Augusto Pinochet, que doce días antes había derrocado a Allende.

Sus restos junto a los de su última esposa Matilde Urrutia reposan en los jardines de su finca de Isla Negra mirando hacia el Pacífico cumpliendo su voluntad expresada claramente y sin rodeos por el poeta en su "Canto general". "Compañeros, enterradme en Isla Negra, frente al mar que conozco".

Evidentemente, el golpe de Estado de Pinochet debió de influir, en su espíritu y en su físico. Días antes de haber ingresado en el hospital, los militares asaltaron dos de sus casas, la del Cerro San Cristóbal y La Chascona, en Santiago, donde confiscaron sus libros y sus colecciones, algunas de las cuales fueron destruidas. La junta militar ordenó retirar sus obras de las librerías y algunos de sus libros fueron quemados "como escarmiento público a los ideales comunistas y socialistas". 

Un amargo final para el autor de poemas de gran intensidad y sentimiento, poemas que llegaron al corazón de millones de personas. 

Te dejamos a continuación, su Poema 20, en la voz del poeta, quizá el más conocido de su antología "Veinte poemas de amor y una canción desesperada"






jueves, 27 de agosto de 2020

Abel Carlevaro o la guitarra y su mundo
















"No hay sonido mas hermoso que el de una guitarra... tal vez el de dos" Federico Chopin

Sus interpretaciones y composiciones, así como sus escritos pedagógicos, lo ubicaron como creador de la nueva escuela de la guitarra a nivel universal, con centros de estudio en varios países del mundo.
Su obra como ejecutante de la guitarra, compositor y docente alcanzó alta repercusión a nivel mundial.

Compositores de la talla de los brasileños Heitor Villa Lobos
y Camargo Guarnieri, y el argentino Alberto Ginastera, le dedicaron especialmente obras para su interpretación.

Nacido en Montevideo en 1916, era hijo del médico Juan
Carlos Carlevaro aficionado a la guitarra y de Blanca Casal Ricordi.  A  los cinco años inició sus estudios de guitarra clásica con el profesor Pedro Vittone.  Más tarde estudia armonía y contrapunto con José Tomás Mujica por ocho años, y paralelamente orquestación con Pablo Komlos durante cuatro años.






Se relaciona, asimismo, con el célebre guitarrista Andrés Segovia, que en ese entonces residía en Montevideo, con el que trabaja durante nueve años y quien en 1942 lo presenta públicamente en la principal sala de conciertos de Montevideo, con resonante éxito. 
 
Al año siguiente es invitado por Heitor Villa-Lobos, a viajar a
Brasil. Durante varios meses Carlevaro estuvo en Río de Janeiro estudiando con el compositor brasileño sus obras para guitarra, en particular varios de sus Doce Estudios.
Estrenó en Río, en presencia de Villa-Lobos, sus Preludios 3 y 4 para guitarra. En 1948, con el respaldo del gobierno uruguayo, realizó su primer viaje a Europa, ofreciendo numerosos conciertos en España, donde además filmó una película documental. También se presentó en París y en Londres, donde grabó su primer disco. Luego de una larga estancia en París, donde trabó amistad con el compositor Maurice Ohana y participó en la creación de su primera obra para guitarra y orquesta, retornó a Uruguayen 1951.

En 1965, con el seudónimo Vicente Vallejos, grabó un disco
de música popular rioplatense titulado La guitarra de oro del
folklore 1.

Volvió a Europa en 1974 y ofreció su primer concierto de esta
segunda etapa en París, en la Sala Pleyel. En 1975 difunde en Europa, invitado por Radio Francia, los fundamentos de su Nueva Escuela de Guitarra. A partir de entonces, viajó a Europa hasta dos y tres veces por año, brindando conciertos y masterclasses, así como dirigiendo seminarios internacionales. También hizo lo propio en toda América, del Sur y del Norte, y se presentó varias veces en Taiwán y en Corea.


En 1979 la Editorial Barry publica su libro Escuela de Guitarra. Exposición de Teoría Instrumental, que es posteriormente traducido al chino, japonés, coreano, francés, alemán e inglés.

Su labor docente hizo que durante años algunos de sus alumnos llegasen del exterior a radicarse en Montevideo, o a cumplir viajes periódicos para recibir su magisterio.


Entre sus alumnos cabe destacar a Álvaro Pierri, Alfredo Escande (quien, además de discípulo, fue su colaborador directo en la redacción de todos los escritos pedagógicos de Carlevaro desde 1976 hasta el fallecimiento del Maestro, y luego escribió su biografía), Baltazar Benítez, Eduardo Barca, Jad Azkoul, Miguel Ángel Girollet, Roberto Aussel, Patrick Zeoli, Janez Gregoric, Léon Frijns, Magdalena Gimeno, José Fernández Bardesio, Eduardo Fernández, César Amaro, Ricardo Barceló, Juan Carlos Amestoy y Marcos Puña, entre muchos otros.


Brian Hodel, en "Guitar Review", comentó sobre Carlevaro lo siguiente:

"...si las enseñanzas de Abel Carlevaro han causado una revolución tanto en la técnica de la guitarra, como en la concepción de las posibilidades del instrumento, este libro es su manifiesto. (...) Carlevaro ha hecho para la guitarra lo que Czerny y Hanon hicieron para el piano. Nos ha dado un sistema lógico y completo que no sólo nos provee de soluciones elegantes para los más intrincados problemas técnicos de la guitarra, sino también ha abierto nuevos horizontes para la interpretación".

En París, en 1984, presenta el diseño de su nueva guitarra sin boca cuyos sonidos se emiten por las aristas de la tapa flotante del instrumento, cuya fabricación llevó a cabo el luthier alemán Eberhard Kreul. con el que pretendía sentar las bases de una construcción más lógica del instrumento, de acuerdo con su concepción orquestal del mismo, privilegiando la capacidad de la guitarra de brindar matices y colores tímbricos con mayor riqueza y simultaneidad.

Las últimas décadas de la vida de Carlevaro estuvieron signadas
por sus frecuentes giras a países de Europa y América. Por haber sido una de las figuras más influyentes en el mundo de la guitarra de la segunda mitad del siglo XX, recibió invitaciones periódicas, tanto en su calidad de intérprete como de docente, para realizar conciertos, ofrecer conferencias e integrar tribunales internacionales. En medio de esa actividad febril, falleció en Alemania a los 84 años de edad.
Entre sus obras de renombre es posible mencionar su Concierto del Plata (guitarra y orquesta), Fantasía Concertante (guitarra, cuerdas y percusión), Concierto Nº 3 para guitarra y orquesta, Prels posible mencionar su Concierto del Plata (guitarra y orquesta), Fantasía Concertante (guitarra, cuerdudios Americanos, Cronomías (sonata), Estudios "Homenaje a Villa-Lobos" y su serie de 20 Microestudios.


jueves, 20 de agosto de 2020

1920 Azabache con traje y rouge


Modista y camisera. Morena y criolla, de familia con bajos recursos. Cantante, actriz de radio, cine y teatro, y compositora. Con un estilo vocal particular, fue una de las primeras mujeres argentinas en grabar un disco. El primero lo graba en 1924 para el sello Odeón, con 22 años de edad, aproximadamente la misma edad en la que comenzó a grabar Gardel. Dejó grabadas alrededor de 220 obras. En distintos teatros estrena tangos que se convierten en éxitos. Entre los temas que compuso se encuetran: "Dejame entrar, hermano", "Aguas tristes", "En esta soledad", "Por qué se fue", "Volvé negro" y dos de gran repercusión: "La canción de Buenos Aires", y “Pero yo sé”, el cual dicen que compuso para su amigo Carlos Gardel.
 

Fue una de las intérpretes que inició la participación definitiva de la mujer en el Tango, tal vez la más popular. Tarea nada sencilla en aquella época. ¿Por qué?
Porque el tango es macho! 
Porque el tango es fuerte!”
Así dice la letra de “La Cumparsita”, considerado por muchos, el himno de los tangos.
¿Será por eso que Azucena Maizani, Azabache (apodada así
por Canaro) se transforma en La ñata gaucha (apodo que le puso Libertad Lamarque)?

El comienzo de su participación en la esfera pública - artística, lo hace de un modo muy interesante: realiza durante muchos años sus presentaciones vestida con trajes masculinos y atuendos criollos de gaucho.

Esos tangos de varones, por un lado cobran voz de mujer, sonido de mujer, (contundente e inconfundible por cierto), y por el otro, cobran cuerpo de mujer pero vestida de varón, y con labios pintados de rojo 
con rouge.

Puede pensarse que quizás no le quedó otra opción que identificarse a esa estampa de hombre “fuerte” para acceder al campo escénico. Pero esta arriesgada artista, juega con esa performance desafiando, transgrediendo la imagen habitual de la mujer de esos tiempos, y sobre todo de ese Tango tan macho. Utiliza su cuerpo, su imagen como soporte y medio de expresión que no se sujeta a la estructura cultural dominante para las mujeres de esa época. De esta manera le da al público no solo la posibilidad de escuchar su increíble voz e interpretación, sino de abrir otros sentidos, y construir una nueva mirada.

Un tanguito y una milongua intepretadas por Azucena, con el pelo color negro azabache, con traje, con ropa de gaucho y rouge.

Mosaico criollo



Milonga del 900



Bonus:

Biografía

Columna radial


Anabela Brogioli
Bailarina y profesora de Tango
Actúa, escribe y dirige en artes escénicas
Estudiante de Lic. en Psicología (UBA)
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