Falta apenas una semana para que se celebre el Día del Padre. Sin embargo, este no será un festejo más, será un día diferente, especial, recordado para siempre, porque la única manera que tendrá un hijo de decirle «te quiero» a su padre será por teléfono, por skay o zoom, debido al obligado distanciamiento en el que nos encontramos a causa del Covid-19, que impedirá el cálido abrazo y el placer de compartir la jornada.
Puede que estés pensando en encontrar el regalo especial, a través del cual le hagas llegar ese abrazo que no podes darle personalmente, el que le demuestre cuánto lo querés, y cuanto le agradeces, todo lo que te dio y te ayudó a ser lo que sos hoy.
Ante todo, tené presente que unas simples palabras salidas del corazón pueden ser tan apreciadas como cualquier objeto.
La paternidad y la influencia de la figura del padre en la vida de los hijos ha sido un tema objeto de reflexión de los novelistas, poetas, filósofos, dramaturgos y pensadores más importantes de la historia.
Esperamos poder ayudarte, con algunas reflexiones de algunas de esas relevantes figuras de todos los tiempos, sobre la paternidad y el amor hacia los padres sobre las que es buen momento pensar y algunas obras que permitirán acercarse más profundamente a su pensamiento.
Asimismo y para aquellos padres aficionados a la música, te dejamos algunos títulos de canciones de conocidos autores, y discos que las contienen, y que quizá puedan constituir una opción oportuna para hacerle llegar a nuestros padres ese abrazo amoroso.
Pensamientos y libros
—Confucio: «Una casa es indestructible cuando está sostenida por un padre valiente, una madre prudente y un hijo obediente» (551 a.C.-479 a.C.).
—Santa Teresa de Jesús: «Para los hijos, los padres no han menester otro libro que la virtud puesta en las obras y es predicar a lo vivo» (1515-1582).
— Miguel de Cervantes: «El hacer el padre por su hijo es hacer por sí mismo» (1547-1616).
— William Shakespeare: «Es un hombre sabio el que conoce a su propio hijo» (1564-1616)
— Goethe: «Lo que habéis heredado de vuestros padres, volvedlo a ganar a pulso o no será vuestro» (1749-1832).
— Víctor Hugo: «El sueño del héroe, es ser grande en todas partes y pequeño al lado de su padre» (1802-1885).
—Mark Twain: «Cuando yo tenía 14 años, mi padre era un ignorante insoportable. Pero cuando cumplí los 21, me parecía increíble lo mucho que mi padre había aprendido en siete años» (1835-1910).
— Gabriel García Márquez: «Cuando un recién nacido aprieta con su pequeño puño, por primera vez, el dedo de su padre, lo tiene atrapado para siempre» (1927-2014).
“Los adolescentes de hoy y mañana están luchando permanentemente por definir nuevos tipos de conducta que sean aplicables a sus vidas, sin embargo, eso está dentro del contexto de dos factores culturales, el escepticismo respecto de toda autoridad y la negativa a definir la autoridad auténtica o a rehusar asumir la autoridad que les pertenece por derecho y por necesidad” , esta reflexión de psicoanalista estadounidense Erik H. Erikson, permite comenzar a entender la crisis de identidad propia de la etapa de la adolescencia.
Los padres intentan enseñar valores y creencias, pero los hijos están en condiciones, por sí solos, de concretar su propio plan de vida, adoptando, modificando o rechazando aquellos valores o creencias que los padres intentan inculcar.
En este proceso de búsqueda interior, los jóvenes buscan a otros con los que referenciarse, construyendo a partir de ese reconocimiento, su identidad personal. En este contexto cobra presencia el grupo de pares actualmente dominados por la presencia de la tribu urbana con su estética propia que expresa la versión contemporánea de la socialización cultural.
Dicha tribalización es la reacción a la despersonalización de las relaciones inherentes al sistema y a la sociedad actual de la que son profundamente críticos.
El pertenecer a una determinada tribu le permitirá pensar de una manera, vestir de una forma determinada, y actuar según el resto del grupo. El yo individual se sustituye por un yo colectivo: nosotros somos, nosotros pensamos, nosotros hacemos. Así el/la adolescente busca fuera en el grupo lo que no puede configurar interiormente, y una vez instalado psicológicamente en el mismo se sentirá seguro. Esta identidad tribal se organizará en torno a unas coordenadas de espacio y de tiempo, dentro de las cuales los miembros del grupo manifiestan y desarrollan una cultura propia y diferencial: lenguaje, símbolos, rituales y ceremonias (Aguirre y Rodríguez, 1996).
Este concepto de tribu presenta algunas características, que es posible identificar en toda lógica tribal, sean tribus de Madrid, Barcelona, Londres, Bruselas, Buenos Aires o Valparaíso. Y sean cual sean sus lógicas estéticas: punks, trashers, darks, hippies, raperos, skins, rastas. En todas ellas encontramos la afirmación del yo, que se hace en y con el grupo de referencia. Aparece, también, la idea de la defensa de valores (propios del grupo), y un territorio exclusivo, que le pertenece a éste (barrios exclusivos, un bar determinado, una esquina cualquiera, un estadio). Y finalmente, el establecimiento de recorridos activos por la ciudad y sus suburbios, en busca de amigos o enemigos a quienes saludar o atacar.
Podemos decir entonces que las culturas urbanas constituyen un escenario donde se recrea una identidad social y/o tribal desde la cual sus integrantes se relacionan con la comunidad.
Una de los movimientos mas conocidos y difundidos de la cultura urbana es el Hip Hop, al que le dedicaremos este posteo.
Hip Hop El hip hop es un movimiento cultural que surgió en la década de los sesenta en Estados Unidos, entre entornos desfavorecidos y tensiones sociales, raciales y políticas que se visibilizan en ciudades como Nueva York y se propagan a otros países del mundo y que representa una forma de vida.
Los puertorriqueños que emigraron a zonas como Brooklyn o el barrio de Bronx fueron los que originariamente introdujeron la cultura hip hop con sus fiestas callejeras llamadas “block parties” (por lo general ilegales) en la vía publica o en lugares particulares, en las cuales los DJs mezclaban música (principalmente funk y soul) con dos turntables (tocadiscos o tornamesas), y con equipos de amplificación conectados ilícitamente a la red eléctrica.
En las calles y parques la competencia también estaba presente, no según el control territorial por medio de la violencia propio de las gangs, sino en términos de que DJ tenía mejor sistema de sonido, mejor estilo, y quién atraía más público.
Kool Herc es considerado el padre del Hip Hop por ser uno de los primeros en realizar blockparties desde el año 1972 aproximadamente. En estas fiestas no faltaban los bailarines y los encargados de decorar el lugar del evento.
De allí se derivan, los cuatro elementos que conforman el movimiento Hip Hop: MCing o Rapping (MC significa master of ceremonies, es decir maestro de ceremonias, y se refiere a la acción de rapeár), Breakdancing o B-boying (el baile breakdance), DJing (DJ significa disc jockey, y se refiere a la acción de seleccionar y pasar música) y Graffiti (la conocida forma de arte pictórico urbano, usualmente realizada con pinturas en aerosol).
1.- Los B-boys o Breakdancer (bailarines de breakdance)
El Breakdance es un estilo de baile urbano que forma parte del movimiento de la cultura Hip Hop surgido en las comunidades afroamericanas de barrios como el Bronxs o Brooklyn de Nueva York a comienzos de los años 1960. Es posiblemente el estilo de baile más conocido dentro del Hip Hop.
Comenzó como un método de las bandas rivales del ghetto para resolver disputas por el territorio. En una exhibición de bailes por turnos, el bando ganador era quien demostraba mayor habilidad y conseguía ridiculizar al oponente, al principio únicamente era un baile de pie, sin bajar al suelo, salvo en los “burns” en donde se bajaba por un momento para realizar algún gesto o postura de burla o risa al contrario, bien haciéndose el dormido, el muerto. Fue más tarde y a través de las actuaciones llenas de energía de la leyenda del funk James Brown y el auge de los grupos de baile, como por ejemplo los Rock Steady Crew de Nueva York, lo que impulsó que el ritual competitivo de las guerras de bandas se viesen envueltas por un fenómeno de cultura rap, recibiendo una atención masiva por parte de los medios. Fiestas, discotecas, espectáculos y otros eventos públicos se convirtieron en lugares típicos para los b-boys, especialmente para los miembros de bandas; bailar era una diversión para las amenazas de la vida urbana.
2.- MCing o Rapping
El rap es el arte de hacer rimas vocales, es decir, rapear. Sus letras originariamente referidas a la división y oposición de clases, la pobreza y la exclusión social, la conciencia de que la diferencia entre ricos y pobres crece, que los ricos conducen limusinas despampanantes, etcétera, actualmente se orientan marcadamente a símbolos de status como la venta de drogas como actividad empresarial, las marcas de tabaco y de ropa.
En 1979 el trío de músicos The Sugarhill Gang, lanzan a la industria discográfica el tema Rapper´s Delight, resultando ser un éxito al punto de que se lo tome como suceso clave de 1979. Es a partir de la repercusión que genera este tema, que las compañías discográficas empiezan a interesarse cada vez más en el rap.
La edad de oro del hip hop o también llamada la Edad de Oro del Rap se desarrolló entre la década de los 80’s y toda la década de los 90’s. Este período se caracterizó por la explosión definitiva de la cultura del hip hop y la música rap que se caracterizó por su diversidad de estilos, calidad e innovación.
Fue en este período donde se produjeron los primeros éxitos comerciales de discos de rap y la eclosión del Gangsta Rap que fue todo un boom en la década de los 90 en Estados Unidos. Los artistas más destacados durante este período son Tupac Shakur, The Notorious, Public Enemy, Boogie Down Productions, Eric B & Rakim, Beastie Boys, Big Daddy Kane, De la Soul, A Tribu Called Quest y Jungle Brothers.
Hoy en día tenemos a grandes representantes del género que ejemplifican a la perfección la cultura hip hop y el arte de rapear como Jay-Z, Snoop Dog, Kanie West, Wisin, o Eminem, entre muchos otros.
También, cabe reconocer que grandes representantes femeninas como Missy Elliott Nicki Minaj o Cardi B, que han sido vitales en la expansión del género.
En nuestro país, ha alcanzado niveles de exposición impensados en nuestros días.
En
Rock de acá, obra de reciente aparición editada por Leviatan, su autor Martín
Biaggini, aborda con rigor académico los orígenes del rap y el Hip Hop,
reconstruyendo a través de entrevistas a los propios protagonistas, la historia
de los primeros pasos de la práctica del rap en Argentina.
Con prólogo de Juan Data, histórico periodista fundador del fanzine Moshpit, y uno de los expertos en rap local, y un bonus track: un tema musical de tango rap titulado “De Pibes” compuesto por Smoler Bazz (ex Sindicato Argentino del Hip Hop) y Mariano y Alejandro Rucci.
En ese camino, con fuertes influencias del rap y el dubstep, surgió el trap, un género de música electrónica que ha pasado recientemente a ocupar un espacio significativo en las grandes discográficas y traspasado fronteras. El término de "trap" viene del argot inglés que hace referencia a los lugares donde se vende droga ilegalmente (o también, la propia acción de vender la droga). Y es que las letras de este género giran en torno a esta realidad: la calle, las drogas, el sexo, la violencia, todo sin ningún tipo de censuras ni eufemismos.
Es posible confundir una canción de trap con reggaetón, pero la diferencia entre ambos géneros es así definida por Mateo Montaño ("Granuja", del dúo de rap Gordo Sarkasmus) "El trap es mucho más lento, un poco más psicodélico. Son sonidos hechos para gente que consume ciertas sustancias y se estimulan con ciertos tipos de sonido".
Sus letras son menos líricas que el reggaetón y tratan temas menos aceptados por la sociedad, más tabú, como las drogas o el sexo, mientras que el reggaetón (a pesar de que en sus orígenes era más descarado que ahora) ha caído en temas como el amor o el despecho.
En este submundo musical hay cabida para las mujeres que están comenzando a tener también una importante presencia en el trap, como las Vvitch o Slim Kawasaki, Ms Nina, una de las representantes femeninas más populares de este género en España.
Cada vez se escucha más esta música entre los jóvenes. No es música reivindicativa, ni pide cambios políticos. Aceptan la realidad como se da, sin aspirar a modificarla.
En Argentina, el cordobés Paulo Londra es el de mayor proyección internacional de toda su camada, entre los que se destacan Steven Kayne, Dakillah, Khea y Cazzu y muchos otros.
3. Graffiti
La palabra «graffiti» tiene sus orígenes en la palabra griega graphein, que significa escribir, aunque procede del italiano «graffiare» («garabatear»), y es el empleado generalmente para describir muchos tipos diferentes de escritura mural.
El graffiti es considerado como una expresión artística de la cultura Hip Hop. Simboliza resistencia a la autoridad y, al mismo tiempo, una expresión de solidaridad y explicitación del propio contexto cultural en el que se formó. Textos abstractos pintados de manera libre, creativa e ilimitada con fines de expresión y divulgación donde su esencia es cambiar y evolucionar; buscando ser un atractivo visual de alto impacto para la sociedad, como parte de un movimiento urbano revolucionario y rebelde.
La historia del graffiti actual se remontas a los años 60. Comenzó en Nueva York influido por la cultura del Hip Hop. Uno de los primeros artistas del graffiti fue Demetrius, un joven griego que trabajaba como mensajero y que pintaba su firma como Taki 183 en todos los sitios en los que entregaba documentación o paquetes. Muchos jóvenes comenzaron a imitarlos pintando su firma en muros mas difíciles y visibles.
El estilo es algo importante para los escritores de graffiti. El artista que demuestra un buen sentido del diseño y una habilidad considerable con el uso del spray puede ganarse rápidamente la estima de sus compañeros, pero siempre y cuando aparezca con suma frecuencia.
Uno de los graffiteros más famosos, es, sin duda, Bansky, una de sus obras mas destacadas es "Niña registrando a un soldado", partiendo del concepto de "vigilar a quienes nos vigilan".
El hip-hop como cultura tiene ya un pasado, su futuro subsistirá en la evolución independiente de cada uno de sus antiguos pilares, el breakdance, que se enseña en las escuelas de baile, el graffiti salta a las galerías, el dj marca el ritmo en las pistas haciendo sonar discos de cualquier estilo y el rap que lo va inundando todo, perdiendo, en general, la esencia crítica y social de su origen, fusionándose con otros estilos, siguiendo la estela de la globalización que está marcando la música de este siglo XXI.
En definitiva, desdibujado o no, difuminado o diluido, con el rap, con las piruetas de los B-Boy y con los grafitis, el hip-hop, es reafirmación, expresión, pero también sentido de pertenencia a un grupo o tribu, pertenencia a una forma de cultura propia, “una cultura en constante superación y evolución de la persona.” Como dice Rayden, “No de intentar ser mejor que los demás, sino de intentar ser mejor que uno mismo. Tú eres tu mayor rival y tu propio listón para ser la mejor versión de ti mismo.”
"Me enamoré del Teatro Colón a primera vista. El teatro estupendo la acústica ideal y el público entendido y entusiasta: todo esto combinado, es realmente único"
Con esta frase de la soprano sueca Birgit Nilsson, que compartimos, queremos iniciar este posteo con el que nos proponemos celebrar un nuevo aniversario, de la inauguración, el 25 de mayo de 1908, de ese verdadero orgullo nacional que es el Teatro Colón, considerado según una encuesta realizada a destacados directores internacionales de ópera y de orquesta, como el mejor teatro lírico del mundo.
Para ello,te invitamos a acompañarnos en una recorrida por este fabuloso monumento de inigualable belleza arquitectónica, por su foyer, sus salones, su escenario, sus rincones más recónditos, su historia y curiosas leyendas. Recorrido por el momento virtual y que pronto auguramos sea presencial, pero que culminará con una grata sorpresa, la posibilidad de disfrutar, esta noche a las 20 hs. de la transmisión on line de la ópera Aida, de Giuseppe Verdi.
Su historia
Sus orígenes se remontan al viejo teatro Colón emplazado en las calles Rivadavia y Reconquista, frente a la Casa Rosada, inaugurado en 1857, el que había cerrado sus puestas en 1888 y su edificio, vendido al Banco de la Nación Argentina.
El empresario Ángel Ferrari gana en 1889 la licitación para la construcción del nuevo teatro en su emplazamiento actual; de mayores dimensiones y que debía contar con todos los adelantos tecnológicos para la puesta en escena de una ópera.
Con los planos del arquitecto Tamburini, en enero de 1890 se inicia la construcción, que debido a múltiples inconvenientes se prolonga por 18 años más.
A la muerte de Tamburini, en 1891 se hace cargo de la obra el arquitecto Víctor Meano que previo estudio en detalle, propone algunos cambios, en particular, de estilo.
En 1904, Meano, muere a manos de su valet, despedido unos meses antes y la obra queda nuevamente detenida, hasta que la Municipalidad se la confía al arquitecto belga Jules Dormal que finalmente la concluye ocupándose de la decoración del foyer y los salones con todas las características de la arquitectura francesa.
Finalmente, el 25 de mayo de 1908, se inaugura solemnemente con una función de gala, en la que se representa la ópera Aida de Giuseppe Verdi.
Comencemos nuestra recorrida
El Foyer
En el gran hall de entrada que anuncia la grandeza de la obra, las columnas son de mármol rojizo de Verona. Se usaron además para su decoración mármoles amarillos de Siena y blancos de Carrara, Los leones que custodian la gran escalera, son de mármol de Portugal y las columnas del primer piso de mármol belga. Dos esculturas flanquean la escalinata, La Danza de Henry - Louis Cordier y Marguerite de Max Bezner.
La cúpula esta cubierta con vitreaux que permiten el paso de la luz diurna, fabricados en la Casa Gaudin de París. Del mismo origen son los vitreaux del primer piso que representan a Homero narrando la historia de Illion y a Safo recitando un himno a Apolo. Los mosaicos de los pisos fueron traídos de Venecia. Manuel Mujica Lainez, en su novela El gran teatro dice describiendo la entrada de su personaje "El vestíbulo y el hall lo recibieron en medio de un relámpago interminable y victorioso cuyo centelleo hacía resplandecer la profusión de mármoles, de oro y de colgaduras. Al frente la escalinata tendida de rojo, invitaba a ascender hacia la gloria, entre superpuestas baloustradas y encendidos capiteles que coronaban la cúpula y sus cristales"
Ascendiendo por la grandiosa escalera se llega al foyer de plateas y palcos bajos a los que se accede por los pasillos laterales. Aquí están el guardarropas y el
Tardadero, un microcine de 30 butacas donde se trasmite lo que sucede en la
sala grande para aquellos que llegan tarde y no pueden ingresar hasta el
intervalo. Dos escaleras laterales conducen al primer piso.
A la entrada de la derecha está la oficina de promoción, al ingreso a la misma se encuentra una escultura de Antonio Sassone llamada Missa Solemnis el museo del teatro, a la izquierda, la biblioteca. A ambos lados de la escalera hay dos puertas que comunican al paseo de los carruajes que era utilizado antiguamente en días de lluvia.
La sala
La inmensa sala tiene forma de herradura alargada al estilo de los teatros europeos del siglo XIX. En su decoración predominan el dorado y el colorado intenso de los tapizados, cortinados y alfombras. Sobre los tres pisos de los palcos (bajos, balcón y altos) están las localidades de cazuela, tertulia, galería, delantera de paraíso y paraíso 632 y lateas, distribuidas en 22 filas A la altura de las mismas hay 10 palcos baignore, llamados palcos de viudas, que eran utilizados por aquellas familias que estaban de luto o por alguna persona que quería pasar inadvertida.
Impacta la inmensa araña de la cúpula con las de 700 lámparas. A su alrededor una plataforma a la que pueden acceder los cantantes y músicas, y se utiliza cuando la voz o la música debe provenir desde el cielo.
Es mágico el momento en que la sala se oscurece. Dice Mujica Láinez "Se apagaron las bombillas eléctricas de la araña colosal, otras luces, otros centenares de luces se apagaban o descendían, en apliques de brazos múltiples, en lámparas de los antepalcos, esfumábanse las máscaras, las guirnaldas, las liras, las pacientes mujeres áureas, desnudas, recostadas enel coronamiento de los avant-scenes..."
El cielo raso original fue pintado por el francés Marcel Jambon (1848-1908) quien también decoró el Salón dorado.
Cuentan los memoriosos que en el carnaval de 1936 en el Colón se organizó un gran baile y en la sala hacia 40 °. Alguien colocó barras de hielo sobre el techo para refrescar la sala. Días más tarde el resultado se hallaba a la vista, las pinturas de Jambon se habían arruinado para siempre.
Durante 30 años el cielo estuvo pintado de ocre hasta que la Municipalidad le encomienda al pintor Raúl Soldi la pintura de la cúpula, que finalmente es inaugurada el 25 de mayo de 1966.
La inmensa tela, homenaje a las artes musicales y escénicas, tiene 51 figuras que representan a todos los personajes del teatro, bailarines, músicos, duendes, mimos, actores, todos en actitud de representar alguna escena y como si giraran bailando alrededor del techo. Todos tan llenos de vida que parecen salidos de una representación de la comedia del arte.
La Galería
En el primer piso está la galería de bustos. Desde su altura nos observan Beethoven, Wagner, Mozart, Verdi, Gounod, Bellini y Bizet, obras de Luis Trinchero.
La decoración se completa con la escultura "El secreto", que fue traída de Roma, obra del alemán Gustav Heinrich Eberlein (1847-1926).
Salón blanco Desde esta galería se accede al Salón Blanco, decorado en estilo renacentista francés. Este salón se utiliza como antepalco en las funciones oficiales.
Salon dorado
Al frente, sobre la calle Libertad, está el suntuoso salón dorado. Dos grandes espejos enfrentados repiten el salón hasta el infinito. Está decorado con muebles franceses y porcelanas de Meissen. El cielo-raso fue pintado por Marcel Jambon.
Escenario El escenario está ubicado a la altura del primer piso, Tiene en su parte central un plato giratorio que se mueve en ambos sentidos y que permite agilizar los cambios de escena y decorados. Esta fabricado en roble de Canadá, es desmontable y tiene una leve inclinación para que todos los personajes de la opera y el ballet puedan verse desde la platea.
El telón francés bordado hasta una altura de
dos metros es tan pesado por sus dimensiones que al caer debe ser sostenido por dos personajes que durante la representación de la ópera están vestidos de librea a la moda del siglo XVIII. Si se presta atención a la caída del telón, se los puede ve correr.
Delante del escenario está el foso de la orquesta, su piso puede elevarse hasta la altura de proscenio y agrandar así el escenario para los grandes conciertos de orquesta y coros. Desde 1990, se ha incorporado un sistema de subtitulado para una mejor comprensión de las óperas que siempre se cantan en su idioma original.
Y si la sala impresiona por sus dimensiones y belleza, su hechizo más grande no se ve, es su acústica, mundialmente reconocida como una de las mejores del mundo.
"El Teatro Colón tiene un grandísimo defecto; su acústica es perfecta. Imaginen ustedes lo que eso significa para un cantante. Si uno hace algo mal, se nota enseguida", dijo de ella Luciano Pavarotti
Subsuelo: talleres y depósitos Todo el subsuelo está ocupado por dependencias y talleres. Hay cuatro talleres ubicados en la calle Cerrito y Av. 9 de Julio a 14 m de profundidad. Espacios para ensayos, la Rotonda para los ensayos de ballet, salas de música, depósitos de ropa, talleres de sastrería, peluquería, zapatería, utilería, talleres de escultura, lavandería, tintorería y más de 300 escenografías. Más de 36.000 pelucas, 80.000 trajes de época, 45.000 zapatos, 30.000 sombreros, se guardan junto a los decorados y objetos de utilería.
Angel Fumagalli dijo: "En las entrañas de la tierra en el infinito dédalo de sótanos corredores y recibos vive una estirpe abnegada y fiel que sueña imagina, crea por sobre todas las cosas...Ali observamos una tarea patética y mágica. Aquellos artesanos y artistas, no imaginan para si, ellos sufren el proceso creador para otros, para los divos del bel canto, la ballerinas inmateriales, sobrehumanas. Nunca lucirán las diademas y los cetros enjoyados, otros lucirán las alas de la Sylphide, el manto agobiante de Boris o los símbolos del faraón egipcio"
Cuerpos estables
El teatro cuenta con una orquesta estable, orquesta para las operas que se representan en el teatro, un coro y un ballet estable. Fueron creados en 1922 por iniciativa de Enrique Susini, y su primer director fue Carlos López Buchardo. El teatro cuenta con una orquesta estable, orquesta para las operas que se representan en el teatro, un coro y un ballet estable. Fueron creados en 1922 por iniciativa de Enrique Susini, y su primer director fue Carlos López Buchardo.
En 1953, se crea una segunda Orquesta Filarmónica de Buenos Aires, dedicada conciertos sinfónicos y responsable de la parte musical de los espectáculos coreográficos
Desde 1958, el Instituto Superior de Arte Escénico, forma a los nuevos talentos, cantantes, bailarines,
registas, maestros internos, apuntadores y escenógrafos.
En 1990 se crea el Centro de Experimentación del Teatro Colon, dedicado a las formas experimentales.
En 1995 se crea la Orquesta Académica con el objetivo de formar nuevos instrumentistas.
Los grandes que pasaron por el teatro
Muchos compositores famosos han dirigido o presenciado la representación de sus obras, muchas veces estrenándolas.: Tomás Bretón, Camille Saint-Saenz, Pietro Mascagni, Héctor Panizza, Ottorino Respighi, Richard Strauss, Ernesto Halffter, Federico Moreno Torroba, Igor Stravinsky, Manuel de Falla, Arthut Honegger, Héctor Villa-Lobos, Pierre Boulez, Aaram Kachaturian, Leonard Bernstein, Aaron Copland, Astor Piazzolla, Alberto Ginastera, Gian Carlo Menotti.
Culminando nuestro recorrido te invitamos a disfrutar desde tu pantalla la representación de Aida, que fuera la ópera inaugural del teatro en 1908. La puesta del recordado Roberto Oswald presentada en la Temporada 2018, bajo la batuta del maestro Carlos Vieu, la Orquesta, Ballet y Coro estables. Gran espectáculo que deslumbra por su despliegue visual y el poder de la música.
