Hernan Merlo: el contrabajo al poder

Para el historiador Joachim Berendt  el jazz “ha convertido al contrabajo, el torpe elefante de la orquesta sinfónica, en una voz instrumental sumamente sensitiva, que domina toda la gama de posibilidades expresivas. A tal punto que contrabajistas como Rick Rozie, Jaco Pastorius o David Friesen, pueden tocar conciertos de solo llenos de tensión y belleza y musicales”

Mucho más cerca nuestro, en tiempo y lugar, Hernán Merlo, una de las voces distintivas del nuevo jazz argentino asumió similar riesgo convirtiendo al instrumento en un decisivo protagonista.

Pudimos comprobarlo en el marco del ciclo de música on line del Complejo Cultural Banfield Teatro Ensamble, este domingo 19 pudimos disfrutar del Hernán Merlo cuarteto  con  Fermín Merlo, en batería, Juan Filipelli en guitarra y Alan Zimmerman en piano.

Si te lo perdiste o querés volver a escucharlo: Adelante

Contrabajista y compositor, Hernán Merlo nació en 1957 en Lomas de Zamora, Buenos Aires. Realizó sus estudios de contrabajo en el Conservatorio Nacional de Música "López Buchardo" con el Maestro Enzo Raschelli de Ferraris. Durante la década de 1980 se perfecciona en Estados Unidos con Joel Dibartolo, y participa de la escena del jazz local con músicos como Fats Fernández, Hugo Pierre, Nimar Tenreyro y  Rubén Barbieri, entre otros.

A comienzos de los años noventa formó parte del trío de Horacio Larumbe y realizó conciertos junto al guitarrista Joe Pass y otros importantes músicos que visitaron Argentina, como David Kickoski, Farred Haque, Sid Jacobs, Sam Newsom y Chris Cheek, entre otros.

En 1995 viajó a Estados Unidos, donde tocó en diversos clubes de jazz y tomó clases con Mark Helias, Charlie Haden, Scott Colley y Michael Formanek. Desde entonces sostiene una activa carrera con diversas formaciones propias, realizando presentaciones, conciertos y grabaciones en Argentina y el exterior.

En 1996 edita Hernán Merlo, su primer disco, al que le sigue en 1997 A pesar del diablo, junto a Ernesto Jodos y con la participación del trombonista estadounidense Conrad Herwig.

En 2003 publica, ya como Hernán Merlo Quinteto, el CD Con Sin, para el sello Europeo Fresh Sound/New Talent. 

En 2006 edita Neo, con Armando Alonso en Guitarra y Manuel Caizza en Batería.

En 2010 Parábola, con su Hernán Merlo Neo4tet junto a Juan Pablo Arredondo, Patricio Carpocci y su hijo Fermín Merlo.

De 2012 es Monk: Modelo para desarmar, también en formación de cuarteto y a partir de obras de Thelonious Monk.

En 2014 publica DieciseisCincuentayuno, con Juan Filipelli y Fermín Merlo, disco integrado por composiciones propias y de Juan Filipelli y temas de Joel Baron, Ornette Coleman y Lee Konitz.

En 2018: Lucha de Luces (Uanchu) editado a principios de año y que lo reunió al frente del trío que completaban su hijo, Fermín Merlo, en batería y Juan Filipelli en guitarra; junto al saxo estadounidense Tony Malaby.

En 2019 Hernán Merlo lanza Solo, su primer disco de contrabajo solista, que reune una serie de standards de distintas épocas y estilos, con personales versiones de Miles Davis, Bill Evans y Ornette Coleman, entre otros autores.

ECM: Tocando el horizonte

                                               Manfred Eicher - Fundador de ECM     

ECM, empresa fundada por Manfred Eicher en Munich en 1969,  es uno de los sellos independientes europeos más refinados e influyentes entre exigentes coleccionistas,  por la calidad de sus grabaciones , la estética de sus discos de los más altos estándares y catálogo excepcional que abarca el jazz, la improvisación libre, la música folclórica, la música clásica, antigua y contemporánea, además de diversos experimentos. 

Por la compañía  han transitado figuras fundamentales de la música de la segunda mitad del siglo pasado y lo que va de éste. Entre ellos podemos citar a Mal Waldron, encargado de grabar el primer disco, John Surman, Jan Garbarek, Art Ensemble of Chicago, Arvo Pärt, Gidon Kremer, Don Cherry, Pat Metheny, Ralph Towner, Meredith Monk, Elliott Carter, Carla Bley  y muchos otros. Eicher concibió una mística de la música que tiene como punto de partida una frase que le ha dado la vuelta al mundo: “El sonido más bello después del silencio”. Para el productor y sus colaboradores, el sonido más bello puede provenir del free jazz o la música contemporánea, de un violín de India o un bandoneón argentino, del espacioso jazz escandinavo o las relecturas de Bach y Beethoven.

Leer para creer: 

Para compenetrarse en la importancia de la contribución de ECM al arte sonoro es recomendable sumergirse en la lectura de Tocando el horizonte. La música de ECM (Global Rhythm Press, 2008), libro editado por Steve Lake y Paul Griffiths.

Para disfrutar en esta cuarentena sin moverte de tu casa, te acercamos el concierto de 

la Tallinn Chamber Orchestra, con música de Arvo Pärt, precursor de la música minimalista, y más específicamente del "minimalismo sacro", recientemente galardonado con el premio Fundación BBVA Fronteras del Conocimiento en la categoría de Música y Ópera. 

Dicho evento, tuvo lugar en febrero del corriente año en la sala Filarmónica de Elba (Elbphilharmonie), e integró el programa seleccionado por Manfred Eicher para una versión del festival »Reflektor« en su propio e  inconfundible estilo.

Programa del concierto

Fratres / Fassung für Violine, Streicher und Schlagwerk

Cantus in Memoriam Benjamin Britten

Adam's Lament für Chor und Streichorchester

Salve Regina für gemischten Chor, Celesta und Streichorchester

Te Deum für drei Chöre, präpariertes Klavier, Tonband (Windharfe) und Streicher (Fassung von 1992)

Vater  unser

Tallinn Chamber Orchestra

Dirección:  Tõnu Kaljuste       

                    

Aute el Giraluna

El sábado 4 de este mes, murió en Madrid el cantautor español Luis Eduardo Aute

En el anochecer del domingo 5 , sus vecinos lo despidieron entonando su  tema “Al alba”. Los balcones se unieron en un coro dolido: “Si te dijera, amor mío que temo a la madrugada. / No sé qué estrellas son estas, que hieren como amenazas. / Ni sé qué sangra la luna, al filo de su guadaña. / Presiento que tras la noche, vendrá la noche más larga. / Quiero que no me abandones/ amor mío, al alba…”.

No puede haber mejor final para su iconoclasta vida, que irse envuelto en un murmullo popular de música y poesía en el medio de una peste que –como tantas veces él lo cantó- enfrenta a la humanidad con el horror de su propio espejo.

La canción, el poema, la pintura y el cine fueron caminos que naturalmente se cruzaron e interactuaron en su vida, generando obras magnificas que sin duda, perdurarán, tal como lo que expresa la frase de Friedrich Hölderlin que se lee al comienzo del corto "Vincent  y el Giraluna" con dibujos, guión, música y realización suyos y con el que queremos recordarlo: “Pero lo que permanece, lo fundan los poetas”

"Vincent y el Giraluna" es la fábula de un girasol que, llevado de su curiosidad y ganas de saber, se convierte en «Giraluna» un homenaje a Van Gogh y según su autor «Toda una metáfora de la realidad que vivimos".

El «Giraluna» y Van Gogh se encuentran y se reconocen. «Es curioso cómo, no habiendo vendido jamás un cuadro y siendo el más maldito entre los malditos –dice Aute–, “Los girasoles” es uno de los más cotizados de la Historia. Él sería la representación perfecta de un ‘‘giraluna’’, un lobo solitario que entendió pintura como una razón de vivir y una pasión, como un símbolo de la vida. Lo que aquí vemos es una metáfora de su muerte».

La saeta y el Cristo de los gitanos

El cristo de los gitanos

Semana Santa, días de reflexión e introspección, con más, o menos fe y por qué no, días de lectura, ese espacio de libertad que podemos recuperar, en especial en esta cuarentena en la que estamos sumergidos, para leer o releer libros que nos apasionen.

Te queremos acompañar, abriendo, como te prometimos,  un nuevo camino o núcleo de interés en nuestro Blog: Poesía

Para comenzar, y en el marco de esta conmemoración, hemos elegido como forma poética para nuestra publicación la saeta.

En el siglo XIX, Antonio Machado Álvarez, padre de Antonio y Manuel Machado, definía las saetas como "cancioncillas que tienen por principal objeto traer a la memoria del pueblo, especialmente en los días del Jueves y Viernes Santos, algunos pasajes de la pasión y muerte de Jesucristo (...) coplas disparadas a modo de flechazos contra el empedernido corazón de los fieles"

La saeta, este canto religioso tradicional que se canta al paso de las imágenes de una procesión de Semana Santa,  especialmente en Andalucía, ha inspirado los dos poemas de los hermanos Machado, cada uno con su visión particular de la religiosidad cristiana y coincidiendo en que la saeta es la «Canción del pueblo andaluz».

La trayectoria de ambos escritores es paralela en los inicios, pero diametralmente opuesta más adelante. Mientras Antonio prácticamente no vuelve por la ciudad que le vio nacer desde su marcha a Madrid, Manuel se reencuentra con Sevilla en 1896, a iniciativa de su abuela materna y tratando de poner orden en una vida llena de fiestas, desmadres y líos de faldas en la capital de España.  Por ello dedica su texto a la Semana Santa de Sevilla.

Es en ese momento cuando el primogénito de los Machado redescubre el lugar de su infancia, evoca su felicidad pasada y experimenta maravillosas sensaciones al escuchar flamenco en los tablaos, sumergirse en los ambientes taurinos de Bombita o Franconetti y prodigarse en las procesiones de Semana Santa. Tal vez por su recién descubierta «afición» por todo lo que huele a Sevilla, en su estancia a finales del siglo XIX su trayectoria personal y literaria va a sufrir un vuelco. Vivirá en Triana, en casa de su tío Rafael, y será un asiduo de la Macarena, barrio al que se siente estrechamente unido.

En cuanto a la gran creación literaria de Manuel Machado en relación con las cofradías, el poema Saeta, aparece publicado en la prensa madrileña en la Semana Santa de 1938." Fuente: elcorreoweb.es - Antonio Puente Mayor

He aquí sus versos:

La Saeta - Manuel Machado
I
«Míralo por dónde viene el mejor de los nacidos...»

Una calle de Sevilla
entre rezos y suspiros...
Largas trompetas de plata.
Túnicas de seda... Cirios,
en hormiguero de estrellas,
festoneando el camino...

El azahar y el incienso
embriagan los sentidos.
Ventana que da a la noche
se ilumina de improviso,
y en ella una voz -¡saeta!-
canta o llora, que es lo mismo:

«Míralo por dónde viene
el mejor de los nacidos...»

II
Canto llano... Sentimiento
que sin guitarra se canta.
Maravilla
que por acompañamiento
tiene..., la Semana Santa
de Sevilla

Cantar de nuestros cantares,
llanto y oración. Cantar,
salmo y trino.
Entre efluvios de azahares
tan humano y, a la par,
¡tan divino!

Canción del pueblo andaluz:
...de cómo las golondrinas
le quitaban las espinas
al Rey del Cielo en la Cruz.

Antonio Machado dejó en herencia para la Semana Santa su poema que ha servido de icono para cofradías como Los Gitanos, que la han adoptado como himno. Al cumplirse 75 años de la muerte de este insigne poeta sevillano, se develó el origen de la famosa marcha a la que le dio música Joan Manuel Serrat.

«La saeta» es uno de los poemas más hermosos de su libro «Campos de Castilla», que remite al cante popular y a la Semana Santa andaluza, pero encerrando un sentido mucho más profundo. En estos versos Machado ofrece su visión particular de la religión, alejándose de esa imagen del Cristo sufriente.

En él, Machado hace una crítica de la religiosidad tradicional andaluza, encarnada en la saeta que se canta a un Cristo moribundo e inmóvil, símbolo del sufrimiento y el martirio, mientras que él prefiere al «que anduvo en la mar», es decir, que se inclina por el Jesús hombre, vivo y activo como declara en la última estrofa del poema en la que nos traslada la idea central: su visión personal de la religiosidad cristiana.

La Saeta - Antonio Machado

"¿Quien me presta una escalera,
para subir al madero
para quitarle los clavos
a Jesús el Nazareno?"

Oh la saeta, el cantar
al Cristo de los gitanos,
siempre con sangre en las manos
siempre por desenclavar!
¡Cantar del pueblo andaluz
que todas las primaveras
anda pidiendo escaleras
para subir a la cruz!
¡Cantar de la tierra mía,
que echa flores
al Jesús de la agonía,
y es la fe de mis mayores!
¡Oh, no eres tú mi cantar!
¡No puedo cantar, ni quiero,

a ese Jesús del madero,
sino al que anduvo en el mar!

Este famoso poema fue musicalizado posteriormente por Joan Manuel Serrat, dándole un carácter universal cuando publicó su disco «Dedicado a Antonio Machado, poeta», en 1969. 

Caminos

Hace quince días nos comunicamos con ustedes contándoles la reapertura de nuestro Blog.

Desde entonces hemos posteado las primeras ocho publicaciones.

Para dichos posteos y todos los que progresivamente publiquemos hemos creado seis caminos a núcleos de interés. Los títulos de esos caminos  y su acceso aparecen en la columna de la derecha.

Cada nuevo posteo se alojará en alguna de ellos para indicar puntos de partida al inicio de la aventura.

Creemos que esas etiquetas/caminos abarcan y ordenan toda la esencia que vincula a Casa Mundus con cada uno de ustedes.

Además dentro de ese ordenamiento tenemos un plan de publicaciones que dará coherencia y sentido a cada nota posteada.

Aunque ese orden será sólo la punta del hilo de Ariadna que nos/los guiará. El punto de partida para arribar a centros de interés. Luego verán que las notas frecuentemente rompen fronteras.

Sólo a modo de ejemplo: la nota que encontrarán ahora  en Cine vincula a los grandes escritores con el cine, películas con libros. En próximas notas en esa misma etiqueta trabajaremos sobre la relación entre obras literarias y su transcripción al lenguaje cinematográfico. O en Chicos apuntaremos a los intereses de ellos al margen de cuál sea el objeto que los vehiculizan: un libro, un disco, una pintura  o un instrumento musical. Y así todo.

Queremos que, por sobre el interés intrínseco de cada publicación, el blog exprese coherentemente una idea sobre la música, los libros, las artes plásticas y escultóricas. Y que dialoguen, se retroalimenten, nos acerquen al maravilloso mundo de la cultura.

Semana a semana retomaremos contacto con ustedes informándoles acerca de los nuevos posteos.

Apreciaremos  recibir sus comentarios sobre nuestras publicaciones. También sugerencias sobre temas a tratar. 

Permanecemos en distancia física y con fuerte cercanía espiritual y anímica. Saludos afectuosos

Regreso con gloria: el vinilo

El presente

Mientras que el CD ha perdido terreno dramáticamente en los últimos años debido a que el streaming se transformó en la manera más práctica de escuchar música a través de un teléfono celular o computadora, el vinilo ha recuperado la consideración de los escuchas sostenida en su calidad.

La tecnología del vinilo sigue siendo la misma, pese a que tanto los equipos que se manufacturan hoy —incluyendo los parlantes— y los vinilos reeditados, son de calidad superior a décadas pasadas. Por lo tanto, la experiencia auditiva es mejor.

Hay mucho en común entre el libro en papel y la música en vinilo. Hoy también el libro se puede llevar en la tablet o en el móvil. Pero la gente valora el libro físico; lo mismo pasa con el long play.

La historia

La invención del tocadiscos es sin duda una de las influencias más significativas en difusión y valoración de la música y la cultura.

En 1931 RCA Victor, introdujo al mercado el primer LP de vinilo clasificado como discos para la transcripción de programas. Estos discos revolucionarios fueron diseñados para ser reproducidos a 33 1/3 RPM y con un tamaño de 30 cm de diámetro lo que resultaba en una duración de 10 minutos por cada lado.

Así en los Estados Unidos, entre otros varios efectos sociales decisivos, la música grabada ayudó  a tender puentes –al ritmo del jazz y el blues- frente la

brecha racial entre blancos y negros.

Las grabaciones de música interpretada por artistas negros crecieron en popularidad. Así el sello discográfico Tamla-Motown difundió en el mundo la música de estos artistas durante varias década

Los años 60 y 70 del siglo XX pueden considerarse la época dorada del vinilo y aunque la forma en la que se escucha música ha evolucionado en los últimos 30 años, el tocadiscos y el vinilo se pueden considerar como los verdaderos pioneros, los principales responsables de la generalización de la música grabada. 

¿Suenan en realidad mejor que otros soportes?

Ante todo cabe destacar que suenan mejor si el equipo de música es de calidad. Amplificador de calidad (si es de válvulas mejor) y altavoces de calidad entre otros.

Una de las razones más esgrimidas a su favor, es que el vinilo es un soporte analógico que permite rangos de frecuencia más grandes que el digital. Incluye vibraciones subsónicas y ultrasónicas (por encima y debajo el espectro audible) y la música se graba tal y como suena originalmente.)

No obstante la afirmación de “mejor” entre comillas es porque el proceso de grabación, mezcla y creación de un master al día de hoy es completamente digital también. Todo depende de los rangos de frecuencia con los que se grabe el original y las frecuencias de muestreo.

El renacimiento

El renacimiento de los discos de vinilo no puede explicarse, por tanto desde una única perspectiva. Hay varias razones que invitan a apostar por ellos, como su sonido, la posibilidad de consumir música de una forma diferente o el coleccionismo. Es posible que en el número creciente de escuchas se den varias de estas razones simultáneamente.

Hace no tantos años ninguno de nosotros hubiera imaginado que retornarían los discos de vinilo, adquiriendo una popularidad inusitada.

Las razones pueden ser diversas, una de ellas y quizá la más significativa, es la vinculada al romanticismo asociado a éste.

Es disco de acetato es  un producto nostálgico que implica un mayor nivel de compromiso por parte del  oyente. No sólo porque es más costoso que un CD normal, sino porque el acto de escucharlo implica interacciones físicas que otros formatos carecen (poner la aguja, calibrar el equipo, dar vuelta cada lado una vez que termina, limpiar los discos).

Es evidente que esa nostalgia que algunos melómanos nunca perdieron ha conquistado ahora a más personas, pero esta tendencia también responde al hecho de que muchos aficionados han descubierto que los discos de vinilo pueden sonar magníficamente.
 

Un disco de acetato es en sí una obra de arte, un artefacto físico cuidadosamente diseñado y que hay que tratar con cariño y respeto.

Tienen además un aspecto social: es divertido reunirse con amigos –cuando el control de la pandemia vuelva a permitirlo- y poner un álbum sobre la bandeja, algo romántico y tradicional que no ocurre con los discos compactos, de por si menos interesantes en empaque y presentación de su contenido. Tener un CD es algo así como tener una postal. Tener un vinilo se parece a tener un cuadro. Muchas tapas de los vinilos son verdaderas obras de arte.

Para los amantes de la música pocos placeres pueden compararse al ruidito que hace la púa de un tocadiscos cuando se apoya sobre un LP de vinilo. De todos los formatos existentes para reproducir canciones —desde los cassettes hasta los CDs y la utilitaria banalidad de los MP3s— el vinilo ha vuelto a ser el rey indiscutible. 

Más allá de su notoria fidelidad de sonido y calidez natural, los tradicionales LP tienen un embrujo, un carisma que ha sobrevivido al paso del tiempo y cosechado admiradores entre las generaciones jóvenes.

Opiniones con fundamento

Neil Young piensa que, como el CD tiene un formato digital - no es música como tal, sino sonido dispuesto en forma de códigos binarios-, podemos advertir absolutamente todos los detalles de una canción la primera vez que la escuchamos.

Y, como nada se esconde a la sensibilidad del oído, el cerebro no se siente impulsado a poner el CD por segunda vez. «En realidad, no estás escuchando música -añadía-, sino códigos y dígitos, tonos y frecuencias que recrean el sonido de la música».

Charlie Watts "Me apasionan todas las cosas antiguas. Mi casa es antiquí­sima y está llena de objetos y muebles que colecciono desde hace años. Conservo todos mis viejos discos de vinilo y no permito la entrada de compactos en casa."

Charly García: "Llegó un momento en el que todos los discos sonaban iguales

y era un plomo ir con el CD y escucharlo en tu casa y que sonara como una milanesa napolitana. Le están sacando la pasión a la música. El principio es muy simple: cuando tocás una nota, transmitís una vibración, y eso llega en estado puro desde un vinilo. Como dijo Jimi Hendrix, la música no son las notas, sino lo que hay entre ellas, y eso no lo puede leer el CD"